Astor Piazzolla

Passei o Natal junto a uma família de amigos de minha irmã que são de Buenos Aires, e hoje acordei pensando em Piazzolla, seria óbvio que escolhesse seu grande clássico, Adios Nonino, mas não, tem tanta música dele que adoro que fui buscar esse tema que me é caro, Años de Soledad, em que aqui é executado com Garry Mulligan, já que não encontrei um bom registro dele solando.

De uma delicadeza ímpar, de um dos maiores músicos do século XX. Que apresenta um trabalho universal, sem fronteiras ou regionalismos.

O Grande Circo Místico

Pareceria uma grande falta de assunto repetir Edu Lobo, mas por uma incrível coincidência, hoje no canal Brasil, programa de Charles Gavin, foi contada a história desse disco.

Desde a obra anterior "Jogos de Dança", pensada para um balé, e oferecida ao Ballet Guaíra, sua obra já carregava uma grandiosidade e sofisticação raras vezes vistas na MPB; agora sabem porque? Foi aos Estados Unidos estudar música, fazendo cursos de orquestração com Albert Harris e de música para cinema com Lallo Schiffrin.

É, vale a máxima, "Deus ajuda a quem cedo madruga "; de novo digo, sem desmerecê-las, que as professoras de violão de bairro "formam" músicos que pensam que são virtuoses após 10 meses, duas vezes por semana, em aulas de 1 hora. E aí vão cantar em festas agropecuárias, que tem como mote a tortura de animais e a exposição das mazelas de sua vida sentimental, ou mostrar a todos como eles são infelizes por terem sido corneados e que ainda precisam da volta de seu motivo de tristeza.

Agora fiquei num tremendo dilema, qual música desse disco escolher? São tantas, então dessa vez irão três.

Beatriz que tem nessa interpretação de Milton Nascimento a definitiva, Grande Circo Místico com Zizi Possi no começo de carreira e A Bela e a Fera, com o síndico Tim Maia, que com aquele vozeirão abrilhantou o resultado final. 

Divirtam-se como me diverti em mais uma vez escutar esse tesouro.

O Grande Circo Místico - Zizi Possi

Beatriz - Milton Nascimento

A Bela e a Fera - Tim Maia

Há também uma linda interpretação de Gal Gosta em a História de Lili Brawn

Tom Jobim e Edu Lobo - Vento Bravo

Este é mais um vídeo em que podemos ver como se faz uma obra prima, já tinha mostrado outra cena com Tom e Elis, dos bastidores da gravação de "Chovendo na Roseira".

Temos que observar o apuro e o rigor técnico de Tom Jobim, que reclama do barulho das teclas do piano de Edu Lobo, que estaria sendo captado por seu microfone, e a preocupação de Edu com um solo que estaria saturando o resultado final.

Como ficavam perfeitos os discos de grandes artistas que eram gravados com todos os músicos dentro do estúdio, participando e opinando intensamente durante sua confecção, diferente de hoje em que a gravação de cada instrumento é feita separadamente, às vezes até sem outros integrantes da banda presentes, sendo que o resultado final hoje só depende de um mero produtor que monta suas colchas de retalhos.


Mais uma vez digo que o avanço dos meios de captação de sons digitais, ainda estão muito aquém dos analógicos, que capturavam nuances e principalmente faixas de frequências, tanto as de baixa e de alta, não alcançadas pelos microfones modernos.

Que prazer e satisfação ver dois gênios da música universal fazendo história.

O vídeo abaixo foi postado pelo DivShare, pois o You Tube não permitiu sua reprodução aqui, espero que ele possa ser reproduzido pelo Internet Explorer, se não tentem via o Crome.

O país do futebol

O País do futebol - Milton Nascimento

Neste domingo o país, mais uma vez, parou por causa de um assunto recorrente.

Mas por temas diferentes, em primeiro lugar, com todo o destaque e merecido, a morte do Dr. Sócrates.

Um ídolo, até para quem não dá a menor importância ao futebol, um cidadão que usando de sua fama e respectiva influência junto aos menos favorecidos, ajudou a formar a consciência cívica do povo brasileiro, que começou a perceber que sua opinião tinha valor e que seus anseios tinham que ser satisfeitos.

A última vez que tinha ido a um jogo de futebol, acho que em 1982, foi para ver o Dr. jogar, Corinthians (é assim que escreve?) e Noroeste, só teve um gol e de quem foi? Tem uma história desse jogo, ao retorno do seu time no segundo tempo, Sócrates não retornou, recomeçaram a partida com 10 jogadores, 5 minutos depois ele volta e pede permissão ao juiz para entrar em campo, o estádio teria vindo abaixo pelas risadas se estivesse lotado, imaginem os comentários...

Mas então chegou a hora dos jogos finais do Campeonato Nacional, que tragédia, mais uma vez pão e circo. Até ofuscou a notícia de da demissão daquele ministro que só sairia do governo abatido a tiros..... Hum! Tiro de canhão ou peido de pardal?

Essa música é talvez é o único samba feito por Milton Nascimento, já a tinha usado no post "Craques do Cartum na Copa".

FERNANDO BOTERO - DORES DA COLÔMBIA NO MUBE

Uma exposição com obras mais recentes sob a temática da violência e das mazelas da Colômbia.

Apesar da contrariedade da embaixadora sobre o tema, dito por ela no discurso de abertura da mostra, há toda uma realidade exposta e escancarada, que espero já seja passado e que Botero possa ver seu país novamente na estabilidade política, econômica e perfeitamente democrática.

Com traços, talvez já cansados, ainda trazem toda a carga emocional do instante; a violência retratada incomoda mas também mostra o inconformismo do povo colombiano com a situação de medo, imposta por poucos mas com o poder das armas adquiridas com o dinheiro do narcotráfico.

Ouvi um comentário durante a visitação em que foi citado a série "Os horrores da guerra" de Goya, fiquei chocado com a aparente bobagem, mas depois de uma breve reflexão pude perceber um paralelo, ainda que distante. Será que o artista tinha isso em mente quando quis registrar os horrores do terrorismo na realidade de sua terra? Fica a questão para que cada um tire suas conclusões.

O artista vivo com as obras mais valiosas entra para história após ter criado uma estética única pela qual será sempre lembrado.

Já tinha visto duas grandes retrospectivas de Botero, no MASP e no Museu Nacional de Belas Artes em Buenos Aires, onde foram mostradas obras que abrangiam toda sua carreira, diferente desta que se atém num único tema.

Tempo - Lucio Dalla

Abaixo das imagens, em alta definição, o "press-release", fornecidos pela assessoria de imprensa do MUBE.

“DORES DA COLÔMBIA no Mube”

Aori e Circuito cultural Bradesco seguros trazem a capital coleção de obras políticas assinadas por Fernando Botero

Depois do sucesso da edição realizada em 2007 no Memorial da América Latina, a exposição “Dores da Colômbia” está de volta a São Paulo

A Colômbia tem orgulho de expressar seu anseio por liberdade através da arte. “Dores da Colômbia” reflete as dores da humanidade. Botero se refere à Colômbia para ilustrar suas angústias sobre a própria condição humana. Em nosso país, essas dores foram a base para a construção de uma sociedade justa” –

Maria Elvira Pombo Holguin, Embaixadora da Colômbia no Brasil

De volta a São Paulo, a individual do pintor colombiano Fernando Botero “Dores da Colômbia” retorna a capital no dia 25 de novembro e segue em cartaz até 08 de janeiro de 2012, no MuBE (Museu Brasileiro da Escultura), zona oeste da capital. A iniciativa - que conta com o patrocínio do Grupo Bradesco Seguros - reúne 67 obras doadas pelo artista colombiano Fernando Botero ao Museu Nacional da Colômbia entre 2004 e 2005. “Sempre quis trazer essa coleção de volta ao Brasil. O conjunto dessa obra mostra como a arte pode denunciar a violência e propõe uma reflexão sobre a sociedade”, diz a produtora executiva da Aori, Denise Carvalho, responsável pelo retorno da mostra ao País.

As seis aquarelas, 36 desenhos e 25 pinturas, que já percorreram várias cidades europeias e latino-americanas, mostram os abusos sofridos pelo povo colombiano como consequência da ação de grupos guerrilheiros, políticos e paramilitares. O conflito que resultou no exílio de 1,5 milhão de colombianos nas últimas décadas é ao mesmo tempo um movimento social que busca as bases para a justiça no país.

Embora retrate uma situação trágica de um período bem determinado, Botero criou as composições com pinceladas de cores vibrantes capazes de atrair e envolver cada vez mais pessoas de todo o mundo no drama colombiano e de outros países que vivem conflitos sociais.

“Dores da Colômbia” dialoga com uma corrente artística que vincula a arte à política. Dentro desse contexto encontramos outros mestres importantes que imprimiram discurso e fatos históricos em suas telas. Francisco Goya, com “Desastres da Guerra” e Pablo Picasso com “Guernica”, recriam a sua maneira, atos cometidos durante períodos de turbulência vividos em seus países.

A mostra tem curadoria do próprio Museu Nacional da Colômbia, localizado em Bogotá. De acordo com a diretora do Museu, Maria Victoria Robayo, o conjunto se integra ao programa de exposições itinerantes que tem como um de seus objetivos fazer um apelo à consciência para evitar que os horrores da guerra se repitam.

“Botero disse várias vezes que, apesar de não residir na Colômbia há mais de 40 anos, sente-se muito próximo de seu povo. Trata-se de um convite à reflexão sobre as circunstâncias dolorosas que violam os direitos humanos”, explica Maria.

Em 2012, “Dores da Colômbia” tem como destino as capitais Porto Alegre e Belo Horizonte, janeiro e abril respectivamente.

A passagem pelas três capitais brasileiras da exposição “Dores da Colômbia” faz parte do Circuito Cultural Bradesco Seguros, que apresenta para o público brasileiro um calendário diversificado de eventos artísticos com espetáculos nacionais e internacionais de grande sucesso, em diferentes áreas culturais como dança, música erudita, artes plásticas, teatro, concertos de música, exposições, etc.

• Fernando Botero: Pintor e escultor colombiano nascido em Medellín, no ano de 1932, é um dos artistas mais prestigiados da América Latina e tem peças expostas nos mais importantes museus internacionais. Entre as suas obras mais conhecidas estão as releituras bem-humoradas e satíricas de “O Casal Arnolfini”, de Jan van Eyck, e “Mona Lisa”, de Leonardo da Vinci. Em ambas, figuras humanas e animais são pintados de forma arredondada e estática. Esse padrão estético é a marca registrada do artista que através de sua arte, tornou-se o embaixador cultural da Colômbia pelo mundo. Botero é um dos artistas renomados latino americanos ainda vivo e atualmente, mora na França.

• Aori Produções Culturais: A Aori foi criada em 2002, pela produtora executiva Denise Carvalho. A empresa desenvolve, gerencia e produz conteúdos culturais, como projetos de exposições e edições de livros nas áreas de patrimônio cultural brasileiro, temas sociais e artes visuais. Seus trabalhos primam pelo critério de suas escolhas, qualidade do planejamento à execução, e sofisticação dos resultados. www.aori.com.br

· MUSEU BRASILEIRO DA ESCULTURA (MuBE) Desenvolve extensa e diversificada programação cultural, com exposições, cursos, seminários, palestras e recitais de piano. São realizadas, em média, vinte e cinco exposições/ano, abrindo espaço para novos talentos, além de apresentar mostras de artistas renomados, nacionais e internacionais.

O Museu recebe, aproximadamente, 150.000 visitantes por ano. As exposições contam com visitas monitoradas para crianças, estudantes, grupos de terceira idade e público em geral.

O MuBE conta com apoio institucional de 3M, Stella Artois, Kettel One e BMW, viabilizado via ProAC / Governo do Estado de São Paulo.

• Serviço

“Dores na Colômbia” | São Paulo:

Abertura: 24 de novembro de 2011.

Visitação: 25 de novembro de 2011 a 08 de janeiro de 2012.

Local: MuBE (Museu Brasileiro da Escultura) | Av. Europa, 218 – Jardim Europa São Paulo

Dias: Terça a domingo das 10h às 19h

(11) 2594-2601 - mube@mube.art.br

Entrada Gratuita

• Próximas Capitais | 2012

-Porto Alegre – de 20 de janeiro a 08 de março de 2012.

-Belo Horizonte – de 18 de abril a 02 de junho de 2012.

Realização: Aori Produções Culturais

Apoio: Avianca e Associação dos Amigos do Museu Nacional da Colômbia

Patrocínio: Bradesco Seguros

Assessoria de Imprensa Aori Produções:

Baobá Comunicação Cultura e Conteúdo

Tel.: [11] 3482-2510 • 3482-6908

andreia@baobacomunicacao.com.br

Informações para Imprensa

Alfredo Cesar de Souza – alfredo@sacomunicacao.com

(11) 3054-3336/ 9954-6684

Rogério Araújo – rogerio@sacomunicacao.com

(11) 3054-3338/ 8015-0060

EstúdioBuck na P/ARTE

Estive na abertura da P/ARTE - feira de arte contemporânea - onde tive a oportunidade de conhecer obras de vários novos artistas, que surgem agora no vasto universo de nossas artes plásticas, como também vários já consagrados que são referências tanto como criadores, como determinantes de valor mercado.

Dentre várias galerias participantes, algumas me chamaram especialmente a atenção, que além de terem um acervo precioso para meu gosto, como o EstúdioBuck, primaram pela simpatia, atenção e cordialidade com que receberam seus convidados, compradores e diletantes. Mostrando suas peças e fornecendo todas as informações solicitadas.

Tanto que as imagens aqui mostradas foram fornecidas por sua diretora que entendeu a proposta deste espaço, mantendo minha vontade de sempre trazer as belezas que vejo e conheço.

Resolução - Milton Banana Trio

Uma coisa impressionante nesta feira foi perceber a força do mercado de arte no Brasil; no pouco tempo que estive neste evento pude testemunhar que as pessoas estavam comprando, e muito.

As obras abaixo estavam em exposição e foram as que mais me agradaram.

Roma Drumond

Antonio Lizárraga

Armando Sendin

Steve McCurry – Alma Revelada

Fotos icônicas que fazem parte de nosso subconsciente. De uma beleza ímpar, de um profissional que sabe como poucos capturar a emoção de um momento pela expressão dos fotografados. Com o tema "Alma Revelada" concentra-se em retratos que expõem e escancaram o íntimo do fotografado.

Há nesta mostra a foto de um menino, talvez 10 anos, que me chocou, apontando uma pistola contra a própria têmpora, chorando, mostra toda a angústia e desesperança que lhe vai no pensamento, espero sinceramente que ele tenha sido demovido de sua intenção.

Agora, em contraponto a esta foto há várias de uma beleza deslumbrante, que nos enlevam a um mundo mágico e misterioso.

Todas as obras feitas ainda com o filme Kodachrome, extinto em 2009, que teve seu último rolo revelado em 2010, num laboratório no Kansas, que fechou logo após esse processo, do último filme fornecido pela Kodak ao artista. Vale aqui um aparte, a tecnologia digital ainda não alcançou a pureza e a sofisticação de captação de imagens e sons que conseguíamos com as tecnologias analógicas, mesmo com a compressão das músicas no formato mp3, as que foram gravadas antes deste advento carregam faixas de frequências não registradas pelos modernos microfones; mesmo as fotos feitas com as câmeras mais sensíveis ainda perdem em muito quando comparadas às imagens fixadas quimicamente.

Com uma seleção que nos mostra somente uma pequena parte de sua magnifica produção merece a visita, pois apresenta vários trabalhos que já são clássicos da fotografia mundial.

Abaixo das imagens (carregadas em alta definição), o "press-release" fornecidos pela assessoria de imprensa do Instituto Tomie Ohtake.

Happiness is a Warm Gun - The Beatles

Steve McCurry, Sharbat Gula, Afghan Girl, Pakistan, 1984

Steve McCurry, September 11, New York, NY, USA, 2011

Steve McCurry, September 11, New York, NY, USA, 2011

Steve McCurry, Monks Praying at Golden Rock, Kyaikto, 1994

Steve McCurry, Flower Seller, Dal Lake, Kashmir, 1996

Steve McCurry, Fisherman at Weligama, South coast, Sri Lanka, 1995

Steve McCurry, Dust Storm, Rajasthan, Índia, 1983

INSTITUTO TOMIE OHTAKE

APRESENTA

Steve McCurry – alma revelada

Abertura: 10 de novembro de 2011, às 20h - 29 de janeiro de 2012

A mostra realizada em parceria com a Galeria Babel traz cerca de 100 imagens que passam pelos muitos lugares e muitas cores vivas presentes no trabalho do fotógrafo americano, trazendo também as guerras, o atentado de 11 de setembro e seu último rolo Kodachrome.

Reconhecido universalmente como um dos maiores criadores de imagens da atualidade, o autor da famosa foto da menina Afegã e membro da Magnum Photos desde 1986 conquistou vários entre os mais importantes prêmios da fotografia. McCurry, de acordo com a tradição mais refinada dos documentaristas, captura a essência das lutas e das alegrias humanas.

A exposição reúne alguns dos mais marcantes e reconhecidos grupos de imagens de países como a Índia, Paquistão e Nigéria. Há décadas McCurry percorre lugares incomuns, trazendo consigo imagens cuja solidez narrativa alimenta fantasias, mistérios e deslumbramentos acerca do desconhecido – o “outro” que conhecemos através de jornais, filmes e revistas. Estão nesses grupos de imagens retratos como a da garota afegã refugiada que encara a lente da câmera com um olhar que se tornou célebre em todo o mundo, ao lado de cenas de festividades e rituais indianos que parecem saídos dos sonhos dos mais inventivos diretores de arte e cenógrafos. A estas imagens, juntam-se visadas para paisagens naturais tão deslumbrantes quanto surpreendentes, sobretudo algumas registradas no Afeganistão, de onde o senso comum não espera senão imagens de guerra e miséria.

A exposição, contudo, não ignora a produção feita por McCurry ao pensar visualmente a marca dos conflitos geopolíticos que marcaram as últimas décadas, e traz um abrangente recorte destas cenas. Nesse conjunto, vemos as cicatrizes da violência diretamente incrustadas nas terras das regiões afetadas, contextualizadas pelo mesmo território impressionante cultural e geograficamente que se revela na primeira parte da exposição.

O destaque, então, se dá pela inclusão de seis fotografias feitas em 11 de Setembro de 2001, em Nova York. A diferença entre a destruição das torres gêmeas e os inúmeros conflitos registrados, por exemplo, no Kuwait, é que o ataque em solo americano foi transmitido em tempo real para todo o planeta. Por isso, independentemente de afinidades ideológicas, entende-se essa tragédia de outra maneira: conhece-se o seu tempo e o choque que provocou. A destruição nos escombros do World Trade Center, da forma como foi registrada por McCurry, ressignifica todas as demais imagens de guerra presentes na exposição.

Por fim, um grupo de imagens reunido por sua qualidade processual nos aproxima de McCurry enquanto profissional. Trata-se das fotos tomadas com o último rolo Kodachrome – película famosa entre os fotógrafos por sua qualidade cromática e que deixou de ser fabricada pelo avanço das tecnologias digitais – que passou pela mão de McCurry. Ciente da escassez que tornava o rolo de filme de alguma maneira especial, o fotógrafo teve que repensar o ritmo e a densidade do ato fotográfico. A série traz, no mesmo rolo, imagens de Robert de Niro, atores da Bollywood indiana, cenas urbanas e, até, os pés descalços do fotógrafo diante da televisão em um quarto de hotel.

Exposição: Steve McCurry – alma revelada

Abertura: 10 de novembro de 2011, às 20h (convidados)

Até 29 de janeiro de 2012, de terça a domingo, das 11h às 20h – entrada franca

Instituto Tomie Ohtake

Av. Faria Lima, 201 (Entrada pela Rua Coropés) - Pinheiros SP Fone: 11.2245-1900

Informações à Imprensa

Marcy Junqueira – Pool de Comunicação

Contato: Martim Pelisson / Fone: 11.3032-1599

marcy@pooldecomunicacao.com.br / martim@pooldecomunicacao.com.br

Preciso aprender a ser só

Duas grandes canções de dois gênios da música mundial, feitas num intervalo de 8 anos, a de Marcos Valle é de 1965 e a do Gilberto Gil de 1973, possuem uma delicadeza que quase chega a ser empolgante.

Com o mesmo título nos conta como lidar com a solidão, um recomeçando e o outro ainda ferido tentando achar um rumo, um consolo.

A última estrofe da música do Gil é uma homenagem à canção do Marcos Valle.

Pena que hoje em dia somente algumas rádios ainda preservem em sua programação estes clássicos, que se comparados com estas porcarias que hoje são jogadas na atmosfera e que só contribuem com o aumento da poluição ambiental, assumem a condição de eternos.

Nada como num momento de introspecção escutar estas canções, nos acalmam e fazem nosso dia melhorar.

Preciso aprender a só ser - Marcos Valle

Preciso aprender a ser só - Gilberto Gil

Eu Preciso Aprender A Ser Só

Marcos Valle

Ah, se eu te pudesse fazer entender

Sem teu amor eu não posso viver

E sem nós dois o que resta sou eu

Eu assim tão só

E eu preciso aprender a ser só

Poder dormir sem sentir teu calor

E ver que foi só um sonho e passou

Ah, o amor

Quando é demais ao findar leva a paz

Me entreguei sem pensar

Que a saudade existe e se vem

É tão triste, vê

Meus olhos choram a falta dos teus

Esses olhos que foram tão meus

Por Deus entenda que assim eu não vivo

Eu morro pensando no nosso amor

Por Deus entenda que assim eu não vivo

Eu morro pensando no nosso amor

Ah o amor

Quando é demais ao findar leva a paz

Me entreguei sem pensar

Que a saudade existe e se vem

É tão triste, vê

Meus olhos choram a falta dos teus

Esses olhos que foram tão meus

Por Deus entenda que assim eu não vivo

Eu morro pensando no nosso amor

Preciso Aprender a Só Ser

Gilberto Gil

Sabe, gente.

É tanta coisa pra gente saber.

O que cantar, como andar, onde ir.

O que dizer, o que calar, a quem querer.

Sabe, gente.

É tanta coisa que eu fico sem jeito.

Sou eu sozinho e esse nó no peito.

Já desfeito em lágrimas que eu luto pra esconder.

Sabe, gente.

Eu sei que no fundo o problema é só da gente.

E só do coração dizer não, quando a mente.

Tenta nos levar pra casa do sofrer.

E quando escutar um samba-canção.

Assim como: "Eu preciso aprender a ser só".

Reagir e ouvir o coração responder:

"Eu preciso aprender a só ser."

Cachimbo da Paz - Uma Fábula Urbana

Maresia - Gabriel, o pensador & Lulu Santos

Essa música já tem quase 20 anos, e é umas das mais geniais obras de protesto já escritas na MPB.

Sim protesto, um grito inconformado contra toda a situação de corrupção, violência e hipocrisia que grassa nas entranhas de nossa sociedade. Imagino que muitas pessoas pensarão que as canções de protestos só são validas quando expõem as injustiças sociais, as desigualdades; não é a minha opinião.

Gabriel sempre foi um artista preocupado com a realidade à sua volta; sua mãe, a jornalista Belisa Ribeiro, então assessora de Fernando - O Belo, segundo Jorge Ben, o nosso messiânico presidente Fernando Afonso Collor De Mello, sofreu pesado constrangimento quando ele gravou Tô feliz (Matei o Presidente). Engraçado, esse é um período que ela deve se envergonhar, pois em seu site, essa informação se não é omitida, não é devidamente informada em sua biografia.

Infelizmente essa é a trilha sonora de nossa realidade, a crua e nua, que devemos ter como objetivo extirpá-la, devendo essa ser somente um registro de como foi nosso país um dia.




A criminalidade toma conta da cidade
A sociedade põe a culpa nas autoridades
O cacique oficial viajou pro Pantanal
Porque aqui a violência tá demais
E lá encontrou um velho
índio que usava um fio dental e fumava um cachimbo da paz
O presidente deu um tapa no cachimbo e na hora de voltar pra capital ficou com preguiça
Trocou seu pallitó pelo fio dental e nomeou o velho índio pra ministro da justiça
E o novo ministro, chegando na cidade, achou aquela tribo violenta demais
Viu que todo cara-pálida vivia atrás das grades e chamou a tv e os jornais
E disse: "Índio chegou trazendo novidade
Índio trouxe cachimbo da paz
Maresia, Sente a maresia Maresia ...
Apaga a fumaça do revólver, da pistola
Manda a fumaça do cachimbo pra cachola
Acende, puxa, prende passa
Índio quer cachimbo, índio quer fazer fumaça
Todo mundo experimenta o cachimbo da floresta
Dizem que é do bom
Dizem que não presta
Querem proibir, querem liberar
E a polêmica chegou até o congresso.
Tudo isso deve ser pra evitar a concorrência
Porque não é Hollywood mas é o sucesso
O cachimbo da paz deixou o povo mais tranquilo
Mas o fumo acabou porque só tinha oitenta quilos
E o povo aplaudiu quando o índio partiu pra selva e prometeu voltar com uma tonelada
Só que quando ele voltou "Sujou"!!!
A polícia federal preparou uma cilada -
"O cachimbo da paz foi proibido
Entra na caçamba, vagabundo!
Vâmo pra DP! Ê, ê, ê, ê! Índio tá fudido porque lá o pau vai comer!"
Maresia, Sente a maresia Maresia ...
Apaga a fumaça do revólver, da pistola
Manda a fumaça do cachimbo pra cachola
Acende, puxa, prende passa
Índio quer cachimbo, índio quer fazer fumaça
Na delegacia só tinha viciado e delinquente
Cada um com um vício e um caso diferente
Um cachaceiro esfaqueou o dono do bar porque ele não vendia pinga fiado
E um senhor bebeu uísque demais, acordou com um travesti e assassinou o coitado
Um viciado no jogo apostou a mulher, perdeu a aposta e ela foi sequestrada
Era tanta ocorrência, tanta violência, que o índio não tava entendendo nada
Ele viu que o delegado fumava um charuto fedorento e acendeu um "da paz" pra relaxar
Mas quando foi dar um tapinha levou um tapão violento e um chute naquele lugar
Foi mandado pro presídio e no caminho assistiu um acidente provocado por excesso de cerveja:
Uma jovem que bebeu demais atropelou o padre e os noivos na porta da igreja
E pro índio nada mais faz sentido
Com tantas drogas proque só o seu cachimbo é proibido?
Maresia, Sente a maresia Maresia ...
Apaga a fumaça do revólver, da pistola
Manda a fumaça do cachimbo pra cachola
Acende, puxa, prende passa
Índio quer cachimbo, índio quer fazer fumaça
Na penitenciária o
"índio fora da lei" conheceu os criminosos de verdade
Entrando, saíndo e voltando cada vez mais perigosos pra sociedade
Aí cumpádi, tá rolando um sorteio na prisão
Pra reduzir a superlotação todo mês alguns presos tem que ser executados
E o índio dessa vez foi um dos sorteados
E tentou acalmar os outros presos:
"Peraí, vâmo fumar um cachimbinho da paz ..."
Eles começaram a rir e espancaram o velho índio até não poder mais
E antes de morrer ele pensou:
"Essa tribo é atrasada demais ...
Eles querem acabar com a violência, mas a paz é contra a lei e a lei é contra a paz"
E o cachimbo do índio continua proibido
Mas se você quer comprar é mais fácil que pão
Hoje em dia ele é vendido pelos mesmos bandidos que mataram o velho índio na prisão.

Chaplin e a sua imagem

O maior cineasta de todos os tempos? Foi um mestre no cinema mudo e passou incólume pela transformação do cinema falado. Fez filmes eternos que nunca serão esquecidos, numa época que só havia a película cinematográfica; sem auxílio de computadores, as cenas eram todas filmadas na "raça", com todos os possíveis riscos aos atores.

Foi também o criador do cinema independente, quando fundou com seus colegas a United Artists, onde tomou as rédeas de seu processo criativo.

Sua longeva carreira teve a tentativa de mácula pela meritocracia americana que por suas idéias esquerdistas, o obrigou ao exílio. Chaplin preservou seu carisma e história, diferente de outros artistas que foram condenados ao ostracismo, mesmo sendo talentosos e produtivos. Incrível como os "crimes" de consciência ainda persistem nos dias de hoje e sempre.

Chaplin mereceu uma cinebiografia, um grande filme que foi o ápice da carreira de Robert Downey Jr., em que podemos ter uma grande visão sua vida, carreira e intimidade.

Em mais uma magnífica instalação o Instituto Tomie Ohtake nos brinda com momentos de sonho e magia, com imagens e cenas de sua carreira, fazendo com que tenhamos vontade de rever ou conhecer suas obras que são imortais.

Além de um grande contador de histórias, era também um grande compositor, com músicas eternas que até hoje são clássicos, estando no nosso imaginário, mesmo dos mais jovens, que não tem ideia de que Smille e Luzes da Ribalta, entre outras, são de sua autoria.

Pelo ecletismo e excelência das mostras, o Instituto Tomie Ohtake virá a ser, se já não o é, um dos mais importantes centros culturais e de cidadania do país. Que continue assim.

Diferente de outras matérias, este post vai com duas de suas músicas .

Abaixo das imagens, o "press-release" fornecidos pela assessoria de imprensa do evento.

Smile - Nat King Cole

Luzes da Ribalta

Chaplin e a sua imagem

Abertura: 19 de outubro, às 20h – até 27 de novembro de 2011

Chega ao Brasil pelo Instituto Tomie Ohtake a primeira grande exposição concebida a partir dos arquivos da família Chaplin que conta a história de Charles Chaplin - ator e figura pública – confrontando o homem e a sua imagem, ao mostrar como foi criado o mito. Com curadoria de Sam Stourdzé e organizada com o apoio da Chaplin Association, juntamente com a Cineteca del Comune di Bologna – projetto Chaplin, e MK2, a mostra Chaplin e a sua imagem já foi exibida em alguns países europeus, nos Estados Unidos e no México.

A exposição

· uma profusão de filmes e material de documentário

O arquivo fotográfico dos Estúdios Chaplin

A exposição apresenta mais de 200 fotografias, que compreendem stills da produção e fotografias de estúdio - de forma muito original. As fotografias são cercadas e acompanhadas de uma série de pequenas gravuras modernas que se desdobram como sequências cinematográficas. Os múltiplos níveis de interpretação daí resultantes sugerem montagens que acabam por contextualizar as diversas facetas de Charles Chaplin.

O Álbum de Keystone

Em exposição inédita ao público, o Álbum de Keystone, em homenagem ao primeiro estúdio em que Chaplin trabalhou, é um objeto único e original. Cada uma das chapas é composta de fotogramas acompanhados por textos manuscritos que remetem às histórias dos primeiros 35 curtas em que Chaplin atuou, em 1914. Testemunha-se com este material o desenvolvimento gradual do personagem Carlitos, de um Chaplin que contava 25 anos incompletos.

Trechos dos filmes

No intuito de estabelecer um diálogo real entre imagem fixa e em movimento, quinze telas e oito projeções apresentam itens selecionados da obra de Chaplin como trechos ou montagens que se contrapõem às fotografias. Entre eles:

- Um “making of” em cores filmado no final da década de 1930 pelo irmão de Chaplin, Sydney, durante as filmagens de O Grande Ditador.

- Uma tomada com mais de oito minutos de duração de Luzes da Cidade, em que Charles, somente com um pequeno pedaço de madeira, dá uma demonstração maravilhosa de quantos elementos cômicos podem ser extraídos de uma situação simples.

- O filme How To Make Movies, de 1918 e jamais exibido na época, que mostra um pouco dos bastidores dos Estúdios de Chaplin.

- Filmes caseiros em cores, produzidos em 8 mm, onde se vê um Chaplin já grisalho, cercado por seus filhos e reencenando as peripécias que o tornaram famoso.

Obras de artistas

O Vagabundo tornou-se um ícone para os movimentos artísticos que eclodiram nos anos 10 e 20 para abalar as estruturas da antiga cidadela das artes. Incorporando as principais preocupações dos movimentos vanguardistas, Chaplin nutria verdadeira fascinação por artistas como Fernand Léger. A exposição mostra como Fernand Léger apropriou-se da imagem de Carlitos.

Cartazes de coleção

O cartaz é um meio de comunicação cujo impacto depende da clareza e do efeito imediato produzido por sua mensagem. Na mostra, cartazes originais retratam a evolução da imagem de Carlitos desde o nascimento até a morte do personagem.

· Quatro principais temas se destacam a partir dos filmes e outros materiais que compõem a exposição:

A criação de Carlitos

As fotografias e trechos de filmes nos permitem reconstruir a formação gradativa e consolidação do personagem Carlitos. Carlitos não foi sempre o vagabundo triste, solitário e extremamente humano, tão profundamente enraizado na memória coletiva. Pelo contrário, o Carlitos pela primeira vez exibido na tela, em 1914, revelava uma figura trapaceira, estúpida e antipática, com grande inclinação pela mulher do vizinho, que aplicava golpes em seus próprios comparsas, truques sujos em geral, além de pontapés dissimulados, sempre e onde quer que pudesse fazê-lo. O personagem não seria diferente até a produção do longa The Kid (O Garoto, 1921).

Chaplin como cineasta

De volta a uma locação, retomando a construção de uma cena, desnudando a mecânica de uma peripécia ou a coreografia de um movimento: são esses os detalhes que nos permitem vislumbrar a preocupação de Chaplin em fazer as coisas do jeito certo. Chaplin foi universalmente aclamado como um ator, mas por trás da figura central de Carlitos, se encontra a de um grande cineasta.

Da fama ao exílio

No auge da glória, Chaplin optou pelo engajamento, e da década de 1930 em diante, seus filmes foram notadamente marcados por elementos de crítica social. Seria este o marco de seu lento processo de divórcio com relação ao público. Em 1952, no navio que o levava para a Inglaterra, Chaplin foi informado de que seu visto americano não seria renovado. Ele passaria então a viver na Suíça com Oona, sua última esposa, e seus oito filhos.

Fala Chaplin, morre Carlitos

Chaplin adiou a data fatídica o máximo que pôde. Em Luzes da Cidade (1931), seguiu alegremente protagonizando um personagem cujo mundo era mudo. Ao final de Tempos Modernos (1936), se vê Carlitos, agora pronto para fazer-se ouvir, lançar-se em uma canção cuja letra havia esquecido: o público descobre sua voz sem entender uma única palavra. Finalmente, decidindo, em 1940, encarar abertamente um assunto sério, permite que Carlitos fale, no que seria o último papel do personagem. E o discurso tanto tempo reprimido é entregue a toda a humanidade, na forma de uma mensagem de paz e esperança.

Charles Chaplin – breve histórico

Charles Chaplin nasceu em Londres, a 16 de abril de 1889. Morreu em Vevey, na Suíça, em 25 de Dezembro de 1977. Aos vinte anos, partiu com o grupo teatral de Fred Karno para os Estados Unidos, onde chamou a atenção de Mack Sennett, diretor da Keystone Studios. Seu primeiro curta, Making a Living, data de 1914 e foi no segundo, Kid Auto Races in Venice, que Carlitos, o Vagabundo fez sua primeira aparição. Entre 1914 e 1923, Chaplin fez mais de 70 curtas-metragens. Depois de concluir The Gold Rush (A Corrida do Ouro), em 1925 - neste ano, o filme completa seu 80º aniversário - Chaplin começou a diminuir sua produção e a se concentrar em filmes de longa-metragem. Entre 1925 e 1967, fez oito filmes, entre eles The Circus (O Circo, 1928), City Lights (Luzes da Cidade, 1931), Modern Times (Tempos Modernos, 1936), The Great Dictator (O Grande Ditador, 1940) e Limelight (Luzes da Ribalta, 1952). A princípio um ator, Chaplin transformou-se em uma “banda de um homem só”, passando a dirigir e produzir seus filmes, além de compor a trilha sonora para eles.

Exposição: Chaplin e a sua imagem

Abertura convidados: 19 de outubro, às 20h

Até 27 de novembro de 2011, de terça a domingo, das 11h às 20h – entrada franca

Instituto Tomie Ohtake

Av. Faria Lima, 201 (Entrada pela Rua Coropés) - Pinheiros SP Fone: 11.2245-1900

Informações à Imprensa

Marcy Junqueira – Pool de Comunicação

Contato: Martim Pelisson / Fone: 11.3032-1599

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